Né dans la province du Chungcheong du Sud en Corée du Sud, Kim Seung Hwan obtient son diplôme au Seoul National University College of Fine Arts en 1984. Il a participé à 34 expositions personnelles et 300 expositions de groupe et a remporté le Seoul Contemporary Sculpture Contest, le Kim Jong-young Statue et le prix de la critique à la foire d’Art contemporain de Milan.

En 1990, il part étudier à Pietrasanta, en Italie, où il fréquente l’Académie Carrara. Il travaille au sein de l’atelier de sculpture sur pierre Studio Sem et participe à la réalisation de nombreuses sculptures internationales, dont celle d’artistes de renommée mondiale comme César et Avoscan.

La période qui s’étend de 1985 à 1995 correspond aux premières années de travail, avec la rugosité de la tête et du buste humains dans des représentations grotesques, qui mettent en valeur la matière offerte par l’argile : sensorielle, caractérisée par sa substance et sa texture.

J’ai essayé de montrer l’intériorité sensorielle derrière l’impression. Pour mettre l’accent sur l’esprit humain plutôt que sur les expressions faciales ou les muscles anatomiques de personnages spécifiques, les figures réalistes étaient cachées et exprimées à travers des expressions métaphoriques et des distorsions.

Aucune forme anatomique, faciale ou contemporaine n’est affichée dans les sculptures humaines sous le thème de l’exploration de l’éternité entre 1996 et 2004. Plutôt qu’une petite forme de composition, le corps humain est envisagé comme une masse, ce qui était en ligne avec la tentative d’échapper à la réalité de la Muse de Brancusi et de pénétrer dans l’univers mental.

À travers le modelage d’une simple tête humaine, Kim met l’accent sur des images mentales abstraites qui omettent les choses non essentielles. À travers cela, il a cherché à comprendre l’ordre structurel des choses et à explorer davantage leur spiritualité et leur permanence. Pour souligner l’image de la spiritualité, il a cherché son propre langage de sculpture à partir d’une tête humaine simplifiée.

Après une longue période consacrée au corps humain, il change progressivement de sujet après 2005 : la forme des objets naturels devient sa source d’inspiration et de motivation. Dans certains cas, il s’agit de formes empruntées à la flore et à la faune, notamment des pétales et des tiges. À travers ces formes dérivées, l’objectif était d’explorer la nature éternelle des humains, de la nature, voire de l’univers. Sa forme abstraite, comme explorant l’ordre structurel de la nature, est profondément liée à sa longue expérience de sculpture du corps humain. L’éternité a été recherchée à travers des formes organiques qui ont apporté des motifs issus de la nature, des fleurs, des animaux et des plantes.

Dans la série des organismes, les changements rythmiques des visages déformés dévoilent une complexité superficielle. La structure interne tente de ressembler à l’ordre de la nature. Il pourrait s’agir de peindre la vie telle qu’elle apparaît chez les animaux et les plantes. Le coton et le coton se mordent, et le sens du mouvement du coton et de la tige qui s’élève revient vers l’intérieur, dessinant une parabole parfaite. Ses œuvres récentes représentent des fleurs ainsi que des variations qui se développent en épines, en moulins à vent, en étoiles de mer et en trous.

Le thème «Eternity Exploration + Organisms» porte bien son nom. Ses idées de base sont au cœur de la modélisation des organismes, explorant les procédures qui se répètent pour le rétablissement de toutes choses. Kim achève cette phase en empruntant la forme d’un organisme et en mettant en évidence la trajectoire infinie révélée par la droite de régression. Par exemple, si une forme organique particulière choisit une singularité de la droite de régression à un moment donné tout en suivant une trajectoire indéfiniment répétée, des formes spéciales telles que des corps humains, des fleurs, des épines, des moulins à vent, des étoiles de mer et des trous se superposeront à celle-ci.

Kim Seunghwan born in South Chungcheong Province in South Korea, graduated from Seoul National University College of Fine Arts in 1984, participated in 34 individual exhibitions and 300 group exhibitions, and won the Seoul Contemporary Sculpture Contest, Kim Jong-young Statue, and Milan Art Fair Critic Award.

In 1990, he went to study in Pietrasanta, Italy, where he attended the Carrara Academy, working at the Sam Studio Stone Sculpture Workshop and participating in a number of international sculptures, including world-renowned artists César and Avoscan.
The period 1985–1995 corresponds to the early years of the work, with the roughness of the human head and bust in grotesque representations, emphasizing the material shown in clay. Sensory with material and texture

I tried to show the sensory innerity behind the impression. To emphasize the human spirit rather than the facial expressions or anatomical muscles of specific characters, realistic figures were hidden and expressed with metaphorical expressions and distortions.

No anatomical forms, facial expressions, or contemporaries are shown in human sculptures under the theme of exploring eternity between 1996 and 2004. Rather than a small form of composition, we tried to see the human body as a mass, which was in line with the attempt to escape the reality shown in the Muse of Brancuse and move into the mental world.

Through a simple trimmed human head, it emphasizes abstract mental images that omit nonessential things. Through this, he tried to understand the structural order of things and further explore the spirituality and permanence of things. In order to emphasize the image of spirituality, he has sought his own language of sculpture from a simplified human head.

After a long period of targeting the human body, he gradually changed the subject after 2005, and the form of natural objects gave him great inspiration and motivation. In some cases, they are inspired by the form of flora and fauna, especially petals and stems. Through these derived forms, they attempted to explore the eternal nature of humans, nature, and even the universe. His abstracted form, as if exploring the structural order of nature, is deeply related to his long experience of sculpting the human body. Eternity was sought through organic forms that brought motifs from natural ecology, flowers, animals and plants.

In the organism series, changes in rhythmically twisted faces show superficial complexity. The inner structure seeks to resemble the order of nature. It may be to paint life as it appears in animals and plants. The cotton and cotton bite each other, and the sense of movement of the rising cotton and line comes into the interior again, drawing a suitable parabola. His recent works show the conclusion to flowers, and in addition to flowers, there are variations that develop into thorns, pinwheels, starfish, and halls.

The theme of “Eternity Exploration + Organisms” suggests this well. His basic ideas are central to shaping organisms, exploring what procedures they repeat for eternal recovery. His conclusion of this stage is to borrow the form of an organism and highlight the infinite trajectory revealed by the regression line. For example, if a particular organic form chooses one singularity of the regression line at a certain time while following an indefinitely repeated trajectory, special shapes such as human bodies, flowers, spines, pinwheels, starfish, and holes will be created on top of it.